Peinture d'Henri Lehmann (1814–82)  1839

Entre 1865 et 1879, Liszt écrit Fünf kleine Klavierstücke (S 192) pour la baronne Meyendorff, bien que Leslie Howard indique qu'il n'y a aucune preuve qu'ils aient été conçus comme un cycle. Les quatre premiers morceaux ont été publiés en 1928 et le dernier seulement dans les années 1960.

En 1865, Liszt fonde le premier de ces cinq courts morceaux de piano sur une chanson plus ancienne, "Gestorben war ich", mise en place pour le texte de Ludwig Uhland.

Liszt avait également arrangé la chanson pour piano et publié comme son premier Liebestraum.

Dans Klavierstück n ° 1, Liszt ajoute une nouvelle introduction et une addition contrastée à la section B, mais une grande partie du matériau mélodique reste la même et dans la même tonalité.

L'introduction est une série d'accords brisés diminués suivis chacun d'un fermata.

La pièce a une mélodie simple, semblable à une chanson, restituée en octaves.

La section B déplace la ligne mélodique vers la basse, fournissant un crescendo à la phrase décroissante de cinq notes que Liszt répète trois fois de plus.

Le thème d'ouverture revient pour compléter la pièce de charme dans une forme claire ABA.

La deuxième pièce en la bémol majeur (1865) a une mélodie mélodieuse accompagnée d'accords syncopés.

Comme dans la pièce précédente, Liszt réaffirme la ligne mélodique en octaves et intensifie l'accompagnement.

La section contrastante un poco animato avec le motif mélodique alternant dans les basses et les aigus est une transformation thématique des idées d'ouverture.

La musique construit à un point culminant surprenant de FFF pour un morceau si court et se termine avec une autre variation du premier thème.

Les troisième et quatrième pianos ne sont respectivement que vingt-cinq et vingt-et-une mesures et toutes deux en fa majeur. Ils sont si courts qu'ils semblent être des fragments plutôt que des compositions travaillées.

Le troisième Sehr langsam (1873) répète six fois une phase descendante de quatre mesures sous diverses formes, toutes pianissimo et dolcissimo.

Le quatrième Andantino (1876) est une autre chanson douce et tranquille basée sur un bref thème de deux mesures. Bien qu'il ait plus de contraste commençant en m. 8 avec une section plus rapide et plus forte, il revient rapidement à une simple réharmonisation du thème d'ouverture pour se refermer sur un accord arpégé majeur.

Datant de 1879 Sospiri! (Soupirs), le dernier morceau du cycle, est monothématique dans son approche.

L'introduction prévoit la mélodie principale présentée à m. 11 dolce amoroso, et Liszt subtilité et transforme imaginativement le thème tempéré jusqu'à l'arrivée surprenante de la corde demi-diminuée sf en m. 80.

La pièce se termine avec discordance avec cet accord de septième à demi diminué, se déplaçant directement dans l'accord pianissimo entièrement diminué-septième. Sospiri est le point culminant de l'ensemble.

HIER.

Un voyage dans les Préludes de Liszt

Avant de s'endormir, je réécoute cette interprétation remarquable des Préludes de Franz Liszt conduisant l'orchestre Daniel Barenbouim qui arrive à rendre cette suavité de l'oeuvre dans la remarquable histoire qu'elle raconte, car la musique raconte et explique beaucoup au travers de son langage : tous les instruments sont parfaitement coordonnés, sans flou entre les phrases ou un instrument qui traîne ne permettant pas la respiration nécessaire à l'expression rigoureuse de cette oeuvre.

Les harpes quant à elle apporte cette grâce que répètent les violons et les trompettes ici parlent de triomphe et de victoire.
Toute l'ambiance de cette oeuvre exprime une profonde douceur jusqu'à la suavité. 

Les tymbales et divers instruments ponctuent cette aboutissement mais l'histoire n'est pas finie car, derrière cette finalité de surpassement, une autre histoire existe et s'exprime avec beaucoup de sensibilité dans le cheminement de la vie.

Ainsi se pose la question et la réponse où la mélancolie et la tristesse ont été partie prenante, les émotions intenses sans apitoyement exagéré mais plutôt la retenue et le lâcher prise pour ouvrir la porte vers une autre voie apaisante en écoutant la voix de la sagesse 4'43" (avec les cors) ; 5'11" (violons et harpes) désignant un parcours ascendant mais la musique elle même en exprime mieux le sens que tous les mots existants : les sons se suspendent... et reprennent sans attendre pour apaiser trop d'exaltation et revenir au thème et à la vie telle qu'elle est et le violoncelle (7"12') vient prévenir de sa voix grave et profonde de l'arrivée d'autres évènements que seule l'âme peut comprendre. 

Surgit alors un passage impossible à vivre sur terre et qui emmène sûrement au ciel ! (là il faut que je réécoute tellement c'est extraordinaire !... une telle majesté ! ) 17"35' le thème à nouveau doucement se joue sur un ton très humble rempli de douceur et d'attente calme avec une interrogation subtile, camouflée de l'être face à ce qui l'entraîne vers de beau inexprimable 17'35" harpe et puis cor, harpe et puis hautbois, clarinette répondent....

 
Les flûtes traversières 17'35" et d'autres instruments se parlent, un dialogue construit, respectueux, où chacun donne son avis comme les oiseaux se parlent dans une clairière, ... harmonieusement tous reprennent peu à peu le thème central13'19" tout l'orchestre est en effervescence autour du thème jusqu'au moment où à nouveau le triomphe s'affiche lorsque les cuivres et instruments à vent soufflent les sons exprimant cette "marche triomphale" tous ensemble s'exaltent, avec tout à coup des groupes divers qui se posent des questions et dialoguent mais ne savent qu'être entraîné dans le mouvement triomphant jusqu'à l'éclatante finale de la réalisation ou la Conclusion du chemin remarquable.
Demain, peut être, en réécoutant, l'histoire se dévoilera plus encore car, jamais je n'ai regardé où Franz Liszt a trouvé l'inspiration de ses préludes et, sans doute, certainement à apprendre tout en gardant en soi comme une fleur éclose ce que l'on entend de son oeuvre.

©Colinearcenciel

ALLEGRO

DE

LA

QUATRIEME SYMPHONIE

CHARLES MARIE WIDOR

Les Symphonies pour orgue de  Charles-Marie Widor

Charles-Marie Widor, père de la symphonie pour orgue, est demeuré pendant longtemps un compositeur méconnu. Après sa mort, le monde musical semble oublier qu'il a été artisan d'un renouveau musical en France, à la fin du siècle dernier, en faisant montre d'une remarquable indépendance d'esprit, et en s'illustrant non seulement dans la musique pour orgue mais aussi dans la musique de chambre, l'opéra, le ballet, le concerto et la symphonie pour orchestre.

En raison de l'intérêt croissant que suscite aujourd'hui une telle œuvre, d'importantes recherches ont été publiées au cours des dernières années, en particulier aux États-Unis. Loin de se vouloir exhaustif, le présent article a été écrit à l'intention des amateurs et des professionnels désireux d'établir un premier contact avec ce grand musicien. Afin de mieux saisir l'importance des dix Symphonies pour orgue, il sera d'abord question du contexte artistique dans lequel elles ont pris naissance et des principaux éléments de la vie et l'œuvre de Widor. La présentation des Symphonies elles-mêmes se fera à la lumière de ces considérations historiques. Dans une publication ultérieure, il sera question de l'interprétation de ces Symphonies suivant trois aspects: les éditions, la registration et le style.

L'orgue est un instrument de musique multiforme dont les caractéristiques communes sont :

- d’être joué à l’aide d’un ou de plusieurs claviers et le plus souvent d’un pédalier 

- de produire les sons à l’aide d’ensembles de tuyaux sonores alimentés par une soufflerie, appelés «jeux » ou «registres », ou d'imiter ce type de sonorités.

             Les grandes orgues de Sainte Eustache avec au sommet la statue de Sainte Cécile, patronne des musiciens.

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L'église Saint-Eustache est située dans le premier arrondissement de Paris, toute proche du fameux quartier des Halles, le"Ventre de Paris".C'est à Paris que mourut le 3 juillet 1778 la mère de Mozart et la Messe d'enterrement eut lieu dans cette même église Saint-Eustache! St-Eustache,justement, est le saint patron des chasseurs et fut martyr;on raconte qu'il se convertit au christianisme après avoir rencontré un cerf portant entre ses bois une croix lumineuse.

S’il vous arrive de vous demander ce qui se trouve derrière ces grands tuyaux imposants alors cette vidéo est pour vous. Vous pourrez visiter les entrailles de l’un des plus grands orgues de France qui se trouve à l’église Saint-Eustache à Paris. Vous découvrirez les détails du somptueux buffet dessiné par l’architecte Victor Baltard en 1854. La partie instrumentale est reconstruite en 1989 par la manufacture Van den Heuvel.

Les grandes orgues de l'Eglise Sainte Eustache à Paris est unique au monde : elle possède deux consoles identiques l'une dans la nef  (permettant au public de voir l'organiste) et l'autre en tribune.

C'est dans cette endroit que Mozart en 1778, le 4 juillet assista aux funérailles de sa mère.  Le premier orgue de cette église fut construit en 1559.

L'orgue est ma passion, déclarait-il,... il est à mes yeux et à mes oreilles, le roi de tous les  instruments.